Y.ES ARTIST FEATURE

By Patricio Majano
 

 
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Melissa Guevara

In her work Salvadoran artist Melissa Guevara addresses human nature from both a metaphysical and existentialist point of view.  She conceives a human being as a union of mind and body. Her work examines this dual nature of being, between the material and the intangible. 

In her artwork “I am still Alive”, Guevara appropriates a phrase from renowned artist On Kawara tattooing it on the back of her neck.

Her skin becomes an acknowledgment of her existence, yet is ironically a relatively ephemeral support for her body, therefore emphasizing the finite nature of life. It is important that only others can see the phrase, and that she recognizes her self-existence by interacting with others.

In the Relics series, Guevara positions the relic as an object of spiritual value.  To create the work “Inflection point” she transforms human bone in to a relic by applying a “golden” process.  These bones are acquired at street markets and informally and come from anonymous people.  Through the process of making their bones significant and preciousness, these nameless individuals are able to transcend their remains. 

See more of Melissa Guevara's work here

Images: Melissa Guevara, “I am still alive” 2013/2015, tattoo and photographic register; and “Inflection point” 2014, from the series Relics. Golden cervical vertebrae"/"Vértebra cervical dorada. 

Melissa Guevara es una artista salvadoreña cuya obra aborda la naturaleza humana desde un punto de vista metafísico y existencialista.  Ella concibe al ser humano como unión de la mente y cuerpo.  En su trabajo ella reflexiona sobre este aspecto dual del ser humano, entre lo material y lo intangible.

En la pieza “I am still alive” (Todavía estoy viva), Guevara se apropia de la frase del artista On Kawara.  La frase está presente como un tatuaje en la parte posterior del cuello de la artista. 

Existe un reconocimiento de la existencia que tiene lugar en la piel, -un soporte relativamente efímero-.  Esto crea un pleonasmo que enfatiza el carácter finito de la vida.  Adicionalmente, la frase solo puede ser visualizada por otros, con lo cual Guevara reconoce su propia existencia a través de la interacción con los demás.

En la serie Reliquias, Guevara referencia las reliquias como objetos de valor espiritual.  Ella presenta huesos humanos que ha convertido en reliquias mediante un proceso de “dorado”.  Dichos huesos provienen de personas anónimas.  Por lo tanto, estos individuos sin nombre son capaces de trascender a través del objeto.

Ver más de Melissa Guevara's trabajo aquí

Imágenes: Melissa Guevara, “I am still alive (Todavía estoy viva)” 2013/2015, Tatuaje y registro fotográfico; and “Inflection point (Punto de inflexión)" 2014, de la serie Reliquias, Vértebra cervical dorada


Vladimir Renderos

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Vladimir Renderos is an artist whose work activates Salvadoran context and history by using a variety of symbols and references ranging from ammunition to Catholicism to urban culture.  
 
Representations of weapons and ammunition
can be found in many of his artworks. These make reference to violence, and can be linked either to the Salvadoran civil war or to the highly violent environment of the present time.  

Additionally, he appropriates imagery drawn from Catholicism.  By merging both elements, 
Renderos presents two situations that might seem contradictory: the predominance in society of a religion with certain humanist principles and the existence of a violent environment and history. 

By combining these references, he makes visible contradictions in Salvadoran social morality, in order to promote critical thinking. In the piece Hija de puto*, the artist presents a contrast between the feminine role depicted in Catholicism and in a society dominated by male chauvinism, with the attitude of a female character that directly contradicts these stereotypes. *Hija de puto is a play on the saying “Son of a bitch” which by inversing the spanish gender of the words directly translates to “Daughter of a (male) bitch.” 
Click here to see more of Vladimir’s work.

Images: Vladimir Renderos, Hija de puto, 2018, acrylic on canvas; La unidad dentro de la pluralidad,2016, installation of clay bullets (detail).

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Vladimir Renderos es un artista cuya obra activa el contexto y la historia de El Salvador utilizando una variedad de símbolos y referencias que van desde la munición hasta el catolicismo y la cultura urbana.
 
Representaciones de armas y municiones se pueden encontrar en muchas de sus obras de arte. Estos hacen referencia a la violencia y se pueden vincular a la guerra civil salvadoreña o al entorno altamente violento de la actualidad.

Además, se apropia de las imágenes del catolicismo. Al fusionar ambos elementos,
Renderos presenta dos situaciones que pueden parecer contradictorias: el predominio en la sociedad de una religión con ciertos principios humanistas y la existencia de un entorno e historia violenta.

Al combinar estas referencias, hace visibles las contradicciones en la moral social salvadoreña, para promover el pensamiento crítico. Finalmente, en la pieza Hija de puto *, el artista presenta un contraste entre el rol femenino representado en el catolicismo y en una sociedad dominada por el chovinismo masculino, con la actitud de un personaje femenino que contradice directamente estos estereotipos.

Haga clic aquí para ver más sobre el trabajo de Vladimir.


nadia

Click here to view Patricio Majano's interview with NadiA.

Click aquí para ver la entrevista de Patricio Majano con NadiA.


Kevin Baltazar

 
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Kevin Baltazar is a Salvadoran artist whose work focuses on the relationship between human beings and their environment.  During an arts residency at Cartes-Univasf in Bahia Brazil, he brought his performative practice of wrapping human subjects to Ilha do Fogo (Island of Fire), expanding his ongoing series Inhabitant Zero. 

Here, he married the context of the surrounding island with techniques developed in previous work made in El Salvador.  Baltazar created three more series of work during this residency, seen on the left works from Ataduras Anonimas (Faceless), Disidencias (Dissidences), andTradiciones Disidentes (Dissenting Tradition). 

Ataduras Anonimas is a series of photographs from performances where local residents are bound to the urban landscape using plastic thread to cover their faces and hide their identity.  At the same time, the thread ties them to their environment, making visible the link between individuals and surroundings that in many ways determines their identity.

Images: Kevin Baltazar, “Ataduras Anonimas (Faceless),” photograph of performance, 2017; “Disidencias,” installation, 2017; “Tradiciones Disidentes,” installation, 2017. Presented at Centro Cultural João Gilberto. Courtesy the artist. 

 

 

Kevin Baltazar es un artista salvadoreño cuyo trabajo se centra en la relación entre los seres humanos y su entorno. Durante una residencia artística en Cartes-Univasf en Bahía Brasil, trajo su práctica de envolver sujetos humanos a Ilha do Fogo (Isla de Fuego), ampliando su serie en curso Habitante cero.

Aquí, se fusiono con el contexto que rodea la isla con técnicas desarrolladas en trabajos anteriores realizados en El Salvador. Baltazar creó tres series más de trabajo durante esta residencia, visto en las obras a la izquierda de Ataduras Anónimas (Sin rostro), Disidencias y Tradiciones Disidentes.

Ataduras Anónimas es una serie de fotografías en las cuales  los residentes locales se unen al paisaje urbano con hilos de plástico para cubrir sus rostros y ocultar su identidad. Al mismo tiempo, el hilo los vincula a su entorno, haciendo visible el vínculo entre los individuos y el entorno que de muchas maneras determina su identidad.

Imágenes: Kevin Baltazar, “Ataduras Anonimas (Faceless),” fotografía del performance, 2017; “Disidencias,” instalación, 2017; “Tradiciones Disidentes,” instalación, 2017. Presentándose en el  Centro Cultural João Gilberto. Cortesía del artista.


Orlando Villatoro

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Orlando Villatoro combines practices perceived as traditional practices, such as painting and ceramic, with new media. His works address topics related to Salvadoran culture, identity and the sociopolitical context. His work “Autorretrato” combines elements that represent part of his identity and personal history, while simultaneously making visible the syncretism between the historical Mesoamerican culture and cyberculture.

 

In the piece “Acupuntura 1”, a QR code build from needles redirects to a map of the historical center of San Salvador.  Here he creates a relationship between acupuncture -as a practice use for relief- and a conflictive zone in San Salvador.

See more of Orlando Villatoro's work here. 

 

Orlando Villatoro es un artista cuya producción combina prácticas tradicionales (como la pintura y cerámica) con arte de nuevos medios.  En su obra aborda temas relacionados a la cultura, identidad, y el contexto sociopolítico de El Salvador. En la pieza “Autorretrato”, utiliza elementos que representan parte de su identidad e historia personal, haciendo visible al mismo tiempo el sincretismo entre la cultura histórica mesoamericana y la cybercultura.  

 

En la pieza “Acupuntura 1” un código QR formado por alfileres redirige a un mapa del centro histórico de San Salvador.  De esta forma crea una relación entre la acupuntura –como una práctica para aliviar- con una de las zonas conflictivas de San Salvador.
 
Ver más del trabajo de Orlando Villatoro aqui.

 

Images: Top: “Autorretrato” (detail) from the seriesTaxonomia 2017.  Motherboard, Digital Sculpture. Bottom: “Acupuntura 1” from the series Codigo Humano, 2017.  Needles on silk.

Imágenes: Orlando Villatoro, “Autorretrato” (detalle) de la serie Taxonomía, 2017.  Tarjeta Madre, Escultura Digital, y “Acupuntura 1” De la serie Código Humano, 2017.   Alfileres sobre seda.


gabriela Novoa

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Gabriela Novoa is a multidisciplinary artist.  Her artwork addresses both the physical and psychological aspects of human sexuality. She considers her practice an instrument through which to normalize sexuality, in order to promote more rational thinking about the topic.  For instance, in “Geografía Contenida” she offers edible sculptures reminiscent of body parts to the public to eat, toying with preconceived ideas of the objectified body within consumer culture.

In her current production, Novoa explores the human body beyond the physical realm, addressing it as a place where not only physical processes occur, but also where emotional links are created and broken.  In her short film “Pulsion”, she makes the distinctions between the physical and emotional visible through metaphorical images that depict states of transformation by showing the human body alongside ephemeral elements.

 See more of Gabriela's work: www.gabrielanovoa.com

Images: Gabriela Novoa “Geografía contenida” (detail), 2016.  Interactive installation of edible sculptures of vaginas, penises, anuses, nipples and tongues. Photograph by Ricardo Flores. 
Gabriela Novoa, “Abrazar lo inevitable” Pulsion short film, 2017.  Video installation.

Gabriela Novoa es una artista multidisciplinaria cuyas obras se centran en la sexualidad del ser humano, tanto en el aspecto físico como el psicológico.  Ella concibe parte de su práctica artística como un medio para normalizar lo sexual con el fin de promover un pensamiento más racional con respecto a este  tema.  Por ejemplo, en “Geografía contenida” ella ofrece esculturas comestibles al público aludiendo a la cosificación del cuerpo en la cultura de consumo.

En su más reciente producción Novoa explora al cuerpo humano más allá de lo físico, abordándolo como el espacio en el cuál tienen lugar procesos psíquicos, donde se crean y rompen vínculos emocionales.  En su cortometraje “Pulsión”, ella hace perceptibles estos cambios mediante imágenes metafóricas, representando un estado de transformación del ser al mostrar el cuerpo humano junto con elementos efímeros.

Ver la obra de Gabriela: www.gabrielanovoa.com

Imágenes: Gabriela Novoa, “Geografía contenida” (detalle), 2016.   Instalación interactiva de esculturas comestibles de vaginas, penes, anos, pezones y lenguas. Fotografía por Ricardo Flores.
Gabriela Novoa, “Abrazar lo inevitable” cortometraje Pulsión, 2017.  Video instalación.


tiernity domínguez

Click here to view Patricio Majano's interview with Tiernity (Natalia Dominguez).


Gerardo Gómez

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Gerardo Gómez has created an extensive body of paintings and drawings that represent scenes of everyday life.  His pieces are characterized by the use of vibrant colors and a spontaneous stroke.  His compositions are detailed, usually containing numerous perspectives.  With a distinct aesthetic, Gómez presents distorted views of reality, capturing and accentuating its essence. 

His pieces often focus on topics of social, political and economic wellbeing by describing El Salvador’s context and common lifestyle.  By highlighting these issues, Gómez intends to promote critical thinking and express his own concerns about his environment. View more of Gerardo Gómez's work here. 

Images: Gerardo Gómez, “Sitting at the edge of my bed," 2017 and “Street and people," 2017.  Acrylic on canvas.

Gerardo Gómez ha creado un extenso cuerpo de pinturas y dibujos que representan escenas de la vida cotidiana. Sus piezas se caracterizan por el uso de colores vibrantes y un trazo espontáneo. Sus composiciones son detalladas, por lo general contienen numerosas perspectivas. Con una estética distinta, Gómez presenta visiones distorsionadas de la realidad, capturando y acentuando su esencia.

Sus obras suelen centrarse en temas de bienestar social, político y económico al describir el contexto de El Salvador y su estilo de vida común. Al destacar estas cuestiones, Gómez pretende promover el pensamiento crítico y expresar sus propias preocupaciones sobre su entorno. Más sobre la obra de Gerardo Gómez aqui.
 


Alejandra Paz

Alejandra Paz is an artist who employs a wide variety of creative mediums to explore the psychological nature of the human being.  Her work develops from interpersonal and intrapersonal experiences common in everyday life. Her works are therefore relatable to other people’s experiences and able to generate empathy. In this way her works evoke memories, emotions and ideas in their viewers.

For example, her piece “Anatomía de una lágrima: verdad II” is a photograph of crystalized tears that reveal an intimate moment of catharsis. 

In another piece, “Desolación”, a sinking figure evokes the inner sensation (mental and emotional) of coming apart.
 


Images:
Alejandra Paz, Desolación (Desolation), 2015.  Ink on paper.
Alejandra Paz, Anatomía de una lágrima: verdad II (A tear’s anatomy: truth II), 2016.  Photograph.

 

 

Alejandra Paz es una artista que explora en una gran variedad de técnicas la naturaleza psicológica del ser humano.  Su trabajo parte de experiencias interpersonales e intrapersonales comunes en la vida cotidiana.  Por lo tanto tienen la posibilidad de relacionarse fácilmente con las experiencias propias de otras personas y así generar empatía.  En consecuencia, el resultado son piezas que evocan memorias, emociones e ideas al espectador.

Por ejemplo, su pieza “Anatomía de una lágrima: verdad II” es una fotografía de lágrimas cristalizadas que revela un momento íntimo de catarsis a otros.

 

En otra pieza, “Desolación”, una figura sumergiéndose evoca la sensación interior (mental y emocional) de desintegración.
 
Imágenes:
Alejandra Paz, Desolación, 2015. Tinta sobre papel.
Alejandra Paz, Anatomía de una lágrima: verdad II, 2016. Fotografía.


Dany Ruíz

Dany Ruíz considers himself as an anartist, a concept created by Marcel Duchamp.  Ruíz adopted this expression to describe the possibility of alternating between the notions of art and non-art in his production. 

His body of work is diverse, going from figurative representations to readymade and digital art.  “Sin título (Untitled)” and “Cómo dibujar un círculo de 71 mm ((How to draw a circle of 71 mm)” are two drawings that represent his production. The first depicts an arts degree certificate with Dany Ruíz’s name on it. In the second, he presents instructions to create a circle.  Both pieces illustrated his intention of generating questions through his creative process.

 

Dany Ruíz se considera un “anartista”, un concepto creado por Marcel Duchamp. Ruíz adoptó esta expresión para describir la posibilidad de alternar entre las nociones de arte y no arte en su producción.

Su cuerpo de trabajo es diverso, pasando de representaciones figurativas a readymade y arte digital. "Sin título" y "Cómo dibujar un círculo de 71 mm" son dos dibujos que representan su producción, la primera muestra un certificado o título de carrera de arte con el nombre de Dany Ruíz en él. En el segundo, presenta instrucciones para crear un círculo. Ambas piezas ilustran su intención de generar preguntas a través de su proceso creativo.
 

 

 

Images:   Dany Ruíz, “Sin Título” (Untitled), 2013, pencil on paper. 
Dany Ruiz, “Cómo dibujar un círculo de 71 mm” (How to draw a circle of 71 mm), 2016;  pencil on paper

Imágenes:   Dany Ruíz, “Sin Título” (Untitled), 2013, lápiz en papel
Dany Ruíz, “Cómo dibujar un círculo de 71 mm” (How to draw a circle of 71 mm), 2016;  lápiz en papel

 

Nancy Chavarría

 

Nancy Chavarría is a Salvadoran-American photographer currently based in New York.  She collects and curates photographs from her family’s archive and presents them along with pictures taken by herself.  The images highlight moments of the everyday life, focusing in her father and mother.  

Traditional structures of Salvadoran family and society can be appreciated through her own perspective, contrasting with US own structures. Her process helps her to assemble missing parts of her family history.  The resulting images capture intimate moments relatable to many families in Latin America.

 

Nancy Chavarría es una fotógrafa Salvadoreña-Estadounidense, quién actualmente vive en Nueva York. Ella recolecta y cura fotografías de la colección de su familia, presentándolas junto con fotografías capturadas por ella misma.  Las imágenes destacan momentos cotidianos, enfocándose en su padre y madre. 

Las estructuras sociales y familiares tradicionales de El Salvador pueden ser apreciadas a través de su perspectiva personal, contrastando con las estructuras propias de Estados Unidos. Su proceso la ayuda a unir partes faltantes de su historia familiar. Las imágenes que resultan capturan momentos íntimos relacionables a muchas familias en Latinoamérica.
 



Images: Nancy Chavarria, "Cafe Chirlo", 2016 (top) and "Beach Dad", 2006. Photographs. 
Imagen: Nancy Chavarria, "Cafe Chirlo", 2016 (abajo) and "Beach Dad", 2006. Fotografia.